La propuesta de Siedelmann consiste en una serie pictórica en diferentes formatos, un recorrido por sus recuerdos, desde su niñez a su edad adulta. Las casonas y el verdor de Areguá, el patio de la casa familiar y la cotidianidad.

La artista llena el espacio expositivo con instalaciones que materializan sus memorias, objetos representados en sus pinturas ocupan sitio, entonces permite una doble experiencia, la de observar y la de sentir.

“Si bien, tengo claro el mensaje en mis obras, juego bastante con el simbolismo y el nombre, es una especie de catarsis, ya que normalmente cuando pinto mi tiempo se suspende”, expresa.

Diana fusionó lo tradicional con lo contemporáneo para este trabajo y asegura que el resultado es “bastante satisfactorio”.

La curaduría es de la también artista visual, Belén Rodríguez, quien en el 2021 obtuvo el primer puesto del premio Henri Matisse promocionado por Gente de Arte y la Alianza Francesa.

“La artista plasma la poética del recuerdo, el paisaje y el retrato. El tiempo y la quietud, son elementos presentes en las pinturas de Diana Siedelmann, quien nos acerca a sitios con memoria, momentos y pinceladas que se compenetran y hacen del cuadro una ventana personal y significativa”, refiere sobre la muestra.

Diana Siedelmann estudió Artes Visuales en el Instituto Superior de Arte de la Universidad Nacional de Asunción y es además actriz, egresada del Taller Integral de Actuación (TIA). y forma parte de una productora artística.

Su trayectoria incluye algunos premios en el campo del audiovisual, como directora de un corto juvenil o de su reciente de videominuto, galardonado en el concurso propuesto por el ministerio de la mujer. Actualmente forma parte de una productora artística.

Esta exposición la lleva a terrenos nuevos y muestra su lado sensible y más íntimo. Con una serie de pinturas en acrílico sobre lienzo y algunas instalaciones, desea llevar al espectador en un viaje con colores vivos y lugares soñados.

La muestra se encuentra habilitada hasta el 13 de mayo, y está abierta a todo público. Durante la exposición también estarán a la venta los trabajos de la artista. Para mayor información, el público puede contactar al (0992) 816 446.

En el marco de las celebraciones por los 214 años de la Independencia Nacional, el Museo Casa de la Independencia inauguró su nueva lumínica, como parte de la intervención dentro del proyecto “Iluminación Sostenible. Transformando Edificios Urbanos y Patrimoniales”.

La acción es fundamental en el proceso de puesta en valor de uno de los sitios históricos más representativos del país. El diseño fue elaborado por el arquitecto uruguayo Javier Sande, especialista en iluminación arquitectónica patrimonial, junto a su equipo técnico, bajo criterios de mínima intervención, reversibilidad y compatibilidad. La instalación fue realizada con la colaboración tecnológica de Philips-Signify Uruguay.

La histórica casona, testigo de los acontecimientos del 14 y 15 de mayo de 1811, reabre sus puertas al público con una imagen renovada en el marco de las fiestas patrias. La nueva iluminación, diseñada especialmente para monumentos patrimoniales y alimentada con energía sostenible, busca realzar la arquitectura del edificio sin alterar su autenticidad, ofreciendo una experiencia respetuosa con la memoria histórica.

El Arq. Sande, egresado de la Universidad de la República del Uruguay, ha liderado numerosos proyectos en América Latina que integran diseño lumínico, sostenibilidad y conservación patrimonial. Su participación refuerza la calidad técnica y simbólica de esta intervención, alineada con el compromiso institucional con la protección y difusión del patrimonio cultural paraguayo.

Desde este martes 13 de mayo, la Casa de la Independencia, dependiente de la Secretaría Nacional de Cultura, está abierta al público desde las 07:30 hasta las 00:00, con recorridos guiados y una muestra temporal habilitada especialmente para la ocasión.

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La actividad busca incentivar a perder el miedo al arte y descubrir nuevos talentos.

Las clases son todos los jueves, de 18:00 a 21:00 y tienen una duración de tres meses. El costo es de G. 200.000 mensuales. El público interesado puede contactar al (0971)535 899.

Nelson Martinesi es pintor, grabador, dibujante y diseñador de joyas. Ha realizado numerosas exposiciones a nivel nacional e internacional, recibiendo reconocimientos en bienales y convocatorias.

Sus obras formaron parte de una de las exposiciones más recientes que rindió homenaje a uno de los artistas más destacados en esta técnica, llamado “Huellas de Livio Abramo” que se llevó a cabo en la sede del Instituto Guimarães Rosa.

Livio Abramo (1903-1993), oriundo de São Paulo, se radicó más de 30 años en Paraguay, reconocido por su contribución en el grabado, el dibujo y la acuarela, así como en un legado en la pedagogía y la gestión cultural.

En lo que respecta a el espacio El Oráculo, promueve la formación artística y la colaboración entre artistas de diversas trayectorias. Ha realizado exposiciones como “Incurables” que integró la inteligencia artificial en la curaduría y ha contado con la participación de más de 30 artistas.

Actualmente, además del taller de grabado, el artista, Fernando Amengual dicta un taller que propone buscar diferentes modos de aproximación a la creación dentro de la pintura, el dibujo, la escultura, la cerámica, la fotografía, el arte digital y demás posibilidades del campo visual.

Próximamente tendrá lugar un taller infantil con las artistas y docentes Tania Banks y Mónica Airaldi.

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Conocido por su práctica escultórica, en esta ocasión Yegros presenta piezas bidimensionales con fuerte énfasis en la pintura que evocan sus primeras incursiones en la disciplina, cuando integraba el grupo “Los Novísimos” en los años 60.

“Question Mark”, nombre de la muestra, es una interrogante, un signo suspendido en el aire, que no pide ser respondido si no contemplado. Según sus propias palabras, es una forma de hablar de “las preguntas que uno se hace y nunca se anima a contestar”.

Los materiales con los que trabaja Yegros están cargados de historias. Discos duros olvidados, tapas de libros, monedas de diversos lugares. Lo que para otros es basura, para él es treasures, (tesoros). La materia desechada es resignificada.

En esta exposición, Ángel trabaja con colores básicos. Sus piezas habitan el cruce entre lo tradicional y lo contemporáneo, lo tecnológico y lo manual, lo local y lo universal. Cada obra es una cápsula del tiempo, donde lo viejo y lo nuevo conviven.

La obra de Yegros (Asunción, 1943) está profundamente influenciada por filosofías orientales y la cosmovisión guaraní. Conceptos como el tekoha (lugar del ser) y el pensamiento de Heidegger se entrelazan en su trabajo, que busca explorar la esencia del ser y su relación con el entorno. Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas en países como Japón, España, Alemania, Francia, Argentina, Brasil y México.

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