La reciente edición fue entregada el 21 de octubre en la Casa Castelvi del Centro Cultural Manzana de la Rivera con presencia de exponentes del arte y autoridades como Marta Cáceres por la Alianza Francesa de Asunción, Diana Svec por la Embajada de Francia en Paraguay, y William Paats, representante de Gente de Arte.

Celebrado hace 24 años en Paraguay, siendo el premio de artes visuales más antiguo del país, la presente edición contó con la participación de la historiadora de arte y curadora Patricia Ciriani Espejo (Francia), la crítica de arte y curadora Adriana Almada, y el artista visual Javier Medina Verdolini, como integrantes del jurado.

Integrantes del jurado, invitados e invitadas.

Los mismos otorgaron el premio Matisse a Fátima Rodríguez Barúa, ganadora del primer puesto, por su obra titulada “Estantigua”, con técnica de linograbados combinados con animación digital.

“‘Estantigua’, que según el diccionario es una visión o fantasma que causa terror, una procesión de fantasmas, en un ambiente por momentos onírico y por otros muy real, por medio de la combinación de dos medios opuestos, uno manual otro digital, uno milenario. Resultado de experiencias personales y ajenas, de observar el entorno, y como actuamos todos, por eso los linograbados que elaboré tienen como referencia lugares y personajes de Asunción, San Lorenzo, Limpio, lugares por donde desarrollo mis actividades, la historia es el día a día de muchos”, palabras de la artista.

Obra ganadora de Fátima Rodríguez Barúa.

Por otro lado, el segundo puesto fue para Luis Ocampos Pompa, quien presentó una de sus obras realizadas en 2019. Esta específica se trata de una fotografía intervenida con carta de sus archivos personales. “El retrato, borroso, de mi abuela, con una nota escrita por ella superpuesta. Un mensaje escrito a su hijo, mi padre, luego de volver de un largo exilio en la región durante la dictadura stronista”, expresó.

El  Henri Matisse es uno de los mejores premios instituidos dentro del campo del arte visual en Paraguay, por la Embajada de Francia en Paraguay, la Alianza Francesa de Asunción y la asociación Gente de Arte. El mismo se desarrolla en forma ininterrumpida durante estas dos décadas gracias al interés de los organizadores, reafirmando la promesa de siempre mantener la riqueza de los lazos culturales entre los dos países: Francia y Paraguay.

Obra de Luis Ocampos Pompa, segundo puesto del Premio Matisse.

Su objetivo es incentivar la producción artística en el Paraguay privilegiando la creatividad y la expresión artística contemporánea.

Así también, abrir las perspectivas del artista premiado internacional, además de segurar, gracias a su periodicidad, el papel del Premio como confrontación pública de propuestas artísticas.

El premio es auspiciado por la Secretaría Nacional de Cultura, la Embajada de Francia en Paraguay, la Alianza Francesa de Asunción, y Gente de Arte, con el apoyo del Institut Français, el Centro Cultural de la Ciudad Carlos Colombino – Manzana de la Rivera y Cité Internationale des Arts.

A través de pinturas al óleo, la muestra explora rincones de la corporalidad, la interacción con las sombras, y sus ecos de luz que transforman los constantes cambios en la memoria de las imágenes extraídas, del movimiento, en movimiento.

“A simple vista son evidentes los intereses del artista que retrata con sus pinceladas agitadas: la exuberancia natural que lo rodea, la luz diáfana que atraviesa hojas y refleja sobre el agua, la sinuosidad de una liana o del cuello de un ave, así también la arquitectura centenaria de una casona en semi abandono o una multitud, con rostros desdibujados, ocupando algún espacio público”, menciona en su texto, la curadora, Sandra Dinnendahl López.

El título hace referencia a dos componentes que Martínez capta en sus obras: el movimiento y la sombra. “La primera palabra ku’e 1 nos remite también, en su homónimo kue 2 , al sitio de la ausencia de algo y, al mismo tiempo, a una acción o movimiento de enajenación o deshabitación. La segunda palabra logra transmitir un sentido y su opuesto - sol y sombra, luz y oscuridad - al contener lo que es (kuarahy) 3 y lo que niega ser (mo’a / mo’ã) 4“.

“Este estado de tensión está presente en la forma y la sustancia del trabajo del artista. Su pincel parece no apoyarse del todo sobre un punto del lienzo antes de pasar al próximo. En el relieve de pegotes de óleo aplicados en impasto se lee la dirección del trazo. Rayas de esgrafiado dejan entrever el lienzo”, agrega la curadora.

El artista, Walter Martínez. Foto: Gentileza

Además de la muestra, en la ocasión habrá interacción multidisciplinar performativa con poesía, sonidos y cuerpos escénicos.

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Se trata de la primera muestra de “La Casa Amarilla – Arte Taller”, dirigido por la artista e instructora Inés Balbiani, la cual está conformada por obras de 48 alumnas y alumnos de diversas edades. De acuerdo a la misma, los trabajos son el resultado del crecimiento, la dedicación y la sensibilidad artística que se desarrolla dentro del taller.

Con curaduría de Ana Carina Aranda, la expo se basa en la premisa de que las grandes obras del pasado constituyen una herramienta fundamental para el aprendizaje artístico. A través de la observación y recreación de piezas emblemáticas, las y los artistas exploran técnicas, estilos, colores y composiciones que marcaron la historia del arte, comprendiendo cómo cada referente plasmó su visión y emociones en el lienzo.

El público podrá apreciar interpretaciones personales de estas obras clásicas, realizadas por estudiantes que van desde los 4 hasta los 45 años.

Las obras están inspiradas en grandes pinturas del pasado.

LA CASA AMARILLA

“La Casa Amarilla – Arte Taller” nació oficialmente el 5 de enero de 2023, de la mano de Inés Balbiani de crear un lugar donde el arte se viva como una forma de expresión y libertad. Su historia comenzó en un pequeño garaje bajo el nombre “Azul Ftalo”, en homenaje a uno de los pigmentos más profundos del mundo de la pintura. Con apenas cuatro o cinco estudiantes iniciales, el proyecto dio sus primeros pasos

Con el tiempo, fueron llegando cada vez más estudiantes y surgió la necesidad de buscar un lugar más amplio y luminoso. Ese cambio llegó con una casa completamente pintada de amarillo, un color asociado a la creatividad, la energía y la alegría, que evocó de inmediato la emblemática Casa Amarilla de Vincent van Gogh. De ese encuentro nació el nombre “La Casa Amarilla – Arte Taller”.

“La Casa Amarilla – Arte Taller” inaugura su muestra colectiva este miércoles.

La fundadora del taller, Inés Balbiani, nació en Asunción el 21 de enero de 1981 y desde los 7 años desarrolló su talento en dibujo y pintura bajo la guía del profesor Porfirio Bustos. En 2005 ingresó al Instituto Superior de Bellas Artes, donde realizó su primera exposición colectiva, y desde 2006 se desempeña como instructora de pintura en el Instituto Paraguayo de Artesanía y en Johanna Arte, culminando cada ciclo con exposiciones junto a sus alumnos y alumnas.

En años recientes amplió su formación en Arte Académico Ruso en Aquí Está Arte, con profesores egresados de la Academia Repin de San Petersburgo. Sus obras, reconocidas por el uso expresivo del color y la textura, forman parte de colecciones privadas en España, Brasil, Chile, Estados Unidos y Argentina, y ha expuesto en galerías nacionales como Viedma Arte y Biombo.

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Se trata de una serie de videos que conjugan arte, juego, narración, sonido y animación gráfica, para despertar la fuerza simbólica del territorio guaraní.

Los mismos exponen el proceso colectivo de investigación, creación y diálogo a cargo del grupo de investigación experimental Osyryry —integrado por Rebeka Nadir, Giovanna Guggiari, Ximena López, Dora Gómez, e Ivonne Gaona. Los videos no buscan explicar el Ayvu Rapyta, sino abrir una puerta hacia su misterio con el público y abrir conversación.

Fotograma de “Kuaarara”.

El Ayvu Rapyta, recopilado por León Cadogan, es una joya de la poesía latinoamericana. La antropóloga Gloria Scappini ha contribuido de manera esencial a su difusión y comprensión, sosteniendo desde hace más de dos años un grupo de lectura “Leer el Ayvu Rapyta” dedicado a explorar este texto como un tejido vivo de palabra y memoria. 

De acuerdo a Osyryry, el trabajo de Scappini fue una fuente de inspiración para su proceso creativo, el cual surgió del diálogo entre sus integrantes en torno a la lectura del Ayvu Rapyta. “Nos acercamos desde la experiencia sensible, desde aquello que el texto despierta y transforma en cada una de nosotras… no para interpretar, sino para honrar y mantener viva la resonancia de esas primeras palabras”.

Esta presentación es sólo la primera etapa del proyecto. “Queremos escuchar las voces de quienes han compartido la vida con las comunidades Mbyá Guaraní y acercarnos a ellas con respeto, para conocer cómo sienten hoy la presencia del Ayvu Rapyta en su cotidianidad”.

Kuaarara.

El Ayvu Rapyta es también un libro que enseña a vivir: a mirar la naturaleza con otros ojos, a recordar que toda palabra tiene raíz y que todo sonido puede ser origen. En sus páginas, lo cotidiano y lo sagrado se entrelazan como las raíces y las ramas de Ñamandú, el ser divino con forma de árbol que inspira nuestro espacio y, como el libro, sostiene mundos.

Este proceso creativo contó con el apoyo de los fondos de la Secretaría Nacional de Cultura.

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