En el marco del IX Mes de la Fotografía de El Ojo Salvaje, la inauguración de la muestra “Relatos sobre la memoria”, ofrece imágenes de artistas que participaron de la cuarta edición del Bayard.

Si bien el Premio Hippolyte Bayard convoca trabajos de temática libre, el jurado de esta edición ha decidido dar destaque a obras que plantean “relatos sobre la memoria”, desde diferentes perspectivas y dimensiones.

Fotografía de Viviana Delvalle Solaeche.

El ensayo ganador “Teoría del intervalo”, de Viviana Delvalle Solaeche, consiste en un proyecto de fotografía analógica en el que explora los vínculos entre memoria y archivo. La misma indaga en los recuerdos que se inscriben en cuerpos, objetos y documentos familiares, configurando un territorio incierto donde las generaciones se entrelazan.

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Fotografía de Arturo Maciel, correspondiente al ensayo “”Cruising en el archivo".

La autora, oriunda de Coronel Oviedo, utiliza la fotografía analógica como medio de reflexión sobre la persistencia de la imagen. Transita el límite entre lo documental y lo poético al ofrecer imágenes que funcionan tanto como testimonio histórico o construcción imaginaria.

La exposición, curada por Marcelo Sandoval, incluye además al segundo premio, otorgado a Alegría González por su obra “Vaciar los ojos”; y el tercer premio adjudicado a Arturo Maciel, por su ensayo “Cruising en el archivo”. La selección se completa con obras de Jesús Ruiz Díaz, Luis Ocampos Pompa, Hernán González Galetto y Alejandro Brítez.

Fotografía de Jesús Ruíz Díaz, del ensayo “Antes de partir”.

El Premio Hippolyte Bayard es un reconocimiento impulsado por la asociación de fotógrafas y fotógrafos El Ojo Salvaje, la Embajada de Francia en Paraguay y la Alianza Francesa de Asunción, con el apoyo del Fondec, la Cité Internationale des Arts y el Institut Français. Es uno de los principales galardones al arte en el país y otorga a la persona ganadora, una residencia artística de 8 semanas en la Cité Internationale des Arts (París), institución de renombre internacional que acompaña la iniciativa.

El Festival Mes de la Fotografía de El Ojo Salvaje se presenta cada dos años para promover y visibilizar la producción fotográfica contemporánea, fomentando el diálogo, la formación y el intercambio cultural en torno a la imagen.

Fotografía de Alejandro Brítez.

Todas las actividades del festival están disponibles en su sitio web y en sus perfiles en redes sociales: Instagram (@el_ojo_salvaje) y Facebook (facebook.com/ojosalvaje).

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A través de pinturas al óleo, la muestra explora rincones de la corporalidad, la interacción con las sombras, y sus ecos de luz que transforman los constantes cambios en la memoria de las imágenes extraídas, del movimiento, en movimiento.

“A simple vista son evidentes los intereses del artista que retrata con sus pinceladas agitadas: la exuberancia natural que lo rodea, la luz diáfana que atraviesa hojas y refleja sobre el agua, la sinuosidad de una liana o del cuello de un ave, así también la arquitectura centenaria de una casona en semi abandono o una multitud, con rostros desdibujados, ocupando algún espacio público”, menciona en su texto, la curadora, Sandra Dinnendahl López.

El título hace referencia a dos componentes que Martínez capta en sus obras: el movimiento y la sombra. “La primera palabra ku’e 1 nos remite también, en su homónimo kue 2 , al sitio de la ausencia de algo y, al mismo tiempo, a una acción o movimiento de enajenación o deshabitación. La segunda palabra logra transmitir un sentido y su opuesto - sol y sombra, luz y oscuridad - al contener lo que es (kuarahy) 3 y lo que niega ser (mo’a / mo’ã) 4“.

“Este estado de tensión está presente en la forma y la sustancia del trabajo del artista. Su pincel parece no apoyarse del todo sobre un punto del lienzo antes de pasar al próximo. En el relieve de pegotes de óleo aplicados en impasto se lee la dirección del trazo. Rayas de esgrafiado dejan entrever el lienzo”, agrega la curadora.

El artista, Walter Martínez. Foto: Gentileza

Además de la muestra, en la ocasión habrá interacción multidisciplinar performativa con poesía, sonidos y cuerpos escénicos.

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Se trata de la primera muestra de “La Casa Amarilla – Arte Taller”, dirigido por la artista e instructora Inés Balbiani, la cual está conformada por obras de 48 alumnas y alumnos de diversas edades. De acuerdo a la misma, los trabajos son el resultado del crecimiento, la dedicación y la sensibilidad artística que se desarrolla dentro del taller.

Con curaduría de Ana Carina Aranda, la expo se basa en la premisa de que las grandes obras del pasado constituyen una herramienta fundamental para el aprendizaje artístico. A través de la observación y recreación de piezas emblemáticas, las y los artistas exploran técnicas, estilos, colores y composiciones que marcaron la historia del arte, comprendiendo cómo cada referente plasmó su visión y emociones en el lienzo.

El público podrá apreciar interpretaciones personales de estas obras clásicas, realizadas por estudiantes que van desde los 4 hasta los 45 años.

Las obras están inspiradas en grandes pinturas del pasado.

LA CASA AMARILLA

“La Casa Amarilla – Arte Taller” nació oficialmente el 5 de enero de 2023, de la mano de Inés Balbiani de crear un lugar donde el arte se viva como una forma de expresión y libertad. Su historia comenzó en un pequeño garaje bajo el nombre “Azul Ftalo”, en homenaje a uno de los pigmentos más profundos del mundo de la pintura. Con apenas cuatro o cinco estudiantes iniciales, el proyecto dio sus primeros pasos

Con el tiempo, fueron llegando cada vez más estudiantes y surgió la necesidad de buscar un lugar más amplio y luminoso. Ese cambio llegó con una casa completamente pintada de amarillo, un color asociado a la creatividad, la energía y la alegría, que evocó de inmediato la emblemática Casa Amarilla de Vincent van Gogh. De ese encuentro nació el nombre “La Casa Amarilla – Arte Taller”.

“La Casa Amarilla – Arte Taller” inaugura su muestra colectiva este miércoles.

La fundadora del taller, Inés Balbiani, nació en Asunción el 21 de enero de 1981 y desde los 7 años desarrolló su talento en dibujo y pintura bajo la guía del profesor Porfirio Bustos. En 2005 ingresó al Instituto Superior de Bellas Artes, donde realizó su primera exposición colectiva, y desde 2006 se desempeña como instructora de pintura en el Instituto Paraguayo de Artesanía y en Johanna Arte, culminando cada ciclo con exposiciones junto a sus alumnos y alumnas.

En años recientes amplió su formación en Arte Académico Ruso en Aquí Está Arte, con profesores egresados de la Academia Repin de San Petersburgo. Sus obras, reconocidas por el uso expresivo del color y la textura, forman parte de colecciones privadas en España, Brasil, Chile, Estados Unidos y Argentina, y ha expuesto en galerías nacionales como Viedma Arte y Biombo.

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Se trata de una serie de videos que conjugan arte, juego, narración, sonido y animación gráfica, para despertar la fuerza simbólica del territorio guaraní.

Los mismos exponen el proceso colectivo de investigación, creación y diálogo a cargo del grupo de investigación experimental Osyryry —integrado por Rebeka Nadir, Giovanna Guggiari, Ximena López, Dora Gómez, e Ivonne Gaona. Los videos no buscan explicar el Ayvu Rapyta, sino abrir una puerta hacia su misterio con el público y abrir conversación.

Fotograma de “Kuaarara”.

El Ayvu Rapyta, recopilado por León Cadogan, es una joya de la poesía latinoamericana. La antropóloga Gloria Scappini ha contribuido de manera esencial a su difusión y comprensión, sosteniendo desde hace más de dos años un grupo de lectura “Leer el Ayvu Rapyta” dedicado a explorar este texto como un tejido vivo de palabra y memoria. 

De acuerdo a Osyryry, el trabajo de Scappini fue una fuente de inspiración para su proceso creativo, el cual surgió del diálogo entre sus integrantes en torno a la lectura del Ayvu Rapyta. “Nos acercamos desde la experiencia sensible, desde aquello que el texto despierta y transforma en cada una de nosotras… no para interpretar, sino para honrar y mantener viva la resonancia de esas primeras palabras”.

Esta presentación es sólo la primera etapa del proyecto. “Queremos escuchar las voces de quienes han compartido la vida con las comunidades Mbyá Guaraní y acercarnos a ellas con respeto, para conocer cómo sienten hoy la presencia del Ayvu Rapyta en su cotidianidad”.

Kuaarara.

El Ayvu Rapyta es también un libro que enseña a vivir: a mirar la naturaleza con otros ojos, a recordar que toda palabra tiene raíz y que todo sonido puede ser origen. En sus páginas, lo cotidiano y lo sagrado se entrelazan como las raíces y las ramas de Ñamandú, el ser divino con forma de árbol que inspira nuestro espacio y, como el libro, sostiene mundos.

Este proceso creativo contó con el apoyo de los fondos de la Secretaría Nacional de Cultura.

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