En comunicación con HOY, el periodista Juan Manuel Salinas comparte detalles del largometraje, su trabajo más grande en lo que respecta al audiovisual.

El comunicador cuenta que comenzó en el 2002, cuando trabajaba para el diario La Nación, en aquellos tiempos tenia que entrevistar a un ex juez de Alto Paraná, para un artículo sobre los casos de narcotráfico: “Los relatos eran fascinantes y eso fue lo que me llevó a pensar a realizar el documental”, comenta.

Cuando inició un ciclo en televisión, tiempo después volvió a entrevistar al mismo juez, pero ya con la idea instalada de compilar todo ese material obtenido en las entrevistas para armar un proyecto, pensado primeramente en un libro: “El documental no era algo que lo tenía pensado como género”.

Sin embargo, siempre le gustó el cine, al punto de realizar estudios cuando vivía en Buenos Aires, por lo que reconsideró como alternativa plasmarlo en un audiovisual, ya que sería más fácil y mejor atractivo de contar.

El cineasta comenta que pudo alternar el periodismo el audiovisual: “Cuando escribís un guión o en el proceso de investigación, preguntando y consultando, es un trabajo periodístico”, acota.

“Realizar un documental me pareció interesante porque abordó en profundidad la historia del narcotráfico, en un programa de televisión no abarcaría lo suficiente. Y plantearlo (en un documental) era muy interesante y a la vez un desafío“, explica Juan Manuel, quién manejó su mismo sistema en entrevistar, hablando con testigos, recogiendo documentos e hilando situaciones.

Cuenta que al principio no hubo ningún obstáculo porque nadie sabía bien lo que estaba armando, ya que siempre se desenvolvió en el periodismo de espectáculos y la farándula, tanto en prensa escrita como en la Tv: “Trabajé bastante tranquilo, nadie se imaginaba con que proyecto estaba“, explica.

Luego de seis años de recopilar datos, buscar entre los archivos de canal 13 y armar carpetas, fue concretando el proyecto, un trabajo en solitario pero con respaldo de entidades estatales como el Fondo Nacional de la Cultura y las Artes (Fondec), el Centro Cultural de España Juan de Salazar, la Dirección de Cultura de la Municipalidad de Asunción y la Secretaría Nacional de Cultura.

Respecto a la polémica generada en torno a la desvinculación de Mabel Causarano de la cartera de cultura, por la supuesta financiación a su documental, Salinas dice que el mismo fue aprobado ya en el 2011, previo a la gestión de la ahora exministra.

Dice desconocer de dónde provienen los comentarios que sostienen que el Gobierno está en contra de su largometraje, pero asevera que le llamó la atención que cuando organizó la conferencia de prensa de lanzamiento del filme, solicitó los banners a las entidades que formaron parte del proyecto mediante la inversión, y todas accedieron, excepto la estatal.

“Todos me respondieron, menos la secretaría. Cuando llamé y envié un e-mail, no me respondieron y fui hasta ahí, y me aseguraron los banners. ¿Desde cuándo un ente que pone plata no quiere estar en la conferencia de una película en la que invirtió?”, plantea.

Refiere que la presencia del logo con la frase “Gobierno nacional, un nuevo rumbo” en la película puede incomodar a autoridades por el hecho de que mancharía la imagen del país.

Para Juan Manuel el planteamiento resulta ilógico ya que “Paraguay, Droga y Banana” da a conocer aspectos importantes de la historia de la narcopolítica, aportando datos nuevos sobre casos concretos que inclusive quedaron inconclusos.

El periodista da un consejo a los siguen los pasos del audiovisual: “Primero tengan en claro lo que quieran contar, desarrollar la idea y posteriormente, lo que va con la idea”. Apunta que se deben llevar a cabo todos los procesos: sentarse a analizar, mirar y escribir.

El Avant Premier de “Paraguay: droga y banana” es este martes 13 de septiembre, y el estreno oficial es este jueves 15, en todas las salas de cine del país.

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La misma consiste en una serie que fusiona dos conceptos: el glitch, que hace referencia a las pequeñas perturbaciones en sistemas digitales, y funghi, los hongos como símbolo de transformación orgánica. Dichos elementos generan cambios aleatorios, dando lugar a imágenes impredecibles.

La exposición está conformada por 20 obras y será presentada en colaboración con la artista visual Lucy Yegros, la escritora, Bea Bosio y la artista y autora Noelia Buttice.

Cada pieza fue creada mediante la superposición y descomposición digital de fotografías, impresas en pana, varían en dimensiones desde 2,40 hasta 13 metros de altura. Fueron intervenidas manualmente con materiales corrosivos y pintura, añadiendo una dimensión táctil y visual única que ocupará los espacios del Museo Nacional de Bellas Artes.

De acuerdo a Darío Cardona, su proceso creativo consta de una fusión de realidades: la unión de vestimentas de su madre con imágenes de mujeres en situación de calle, la cual da lugar a una expresión sanadora y transformadora. El autor promete una experiencia sensorial completa, con juegos de luces y sonidos exclusivos durante la inauguración.

En lo que respecta al acto de apertura, incluirá una experiencia con juegos de luces y sonidos solo para ese día.

“Mindmeld on glitch & funghi” permanecerá abierta al público hasta el 9 de junio, de martes a viernes de 9:00 a 19:00 y los sábados de 09:00 a 20:00, con acceso libre y gratuito.

DARÍO CARDONA

Darío Cardona se autodefine como creador. Vivió en Estados Unidos, donde estudió cinematografía en la New York Film Academy, y luego fue admitido en el American Film Institute. En Argentina fundó su empresa productora, con la que escribió más de 30 guiones y libros, y participó de varios festivales internacionales.

En el 2010 estrenó Felipe Canasto, con funciones en salas de cine y cine móvil. Cuenta con diversas exposiciones individuales en su haber. Asevera que sus productos buscan la belleza en la sinestesia entre sentimientos humanos, artes, tecnología y finanzas.

“Mindmeld on glich & funghi”, es la octava exposición en su carrera.

El público puede encontrar más detalles de sus obras y carrera en su sitio web: www.cardonah.com. Desde allí es posible explorar y descargar todas sus creaciones literarias y proyectos (guiones, cuentos, microcuentos).

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El espectáculo se lleva a cabo en el marco de las celebraciones mundiales por el 200° aniversario del estreno de la Sinfonía Nro. 9 “Oda a la Alegría” de Ludwig van Beethoven, monumento sonoro de mayor trascendencia en la historia de la música clásica universal.

La propuesta es dirigida el maestro Luis Szaran, desarrollada junto al coro Ars Canendi de Ciudad del Este, dirigido por Monica Pérez y el coro Purahei Pyahu de la Escuela de Música Herminio Giménez de Ita, bajo la dirección de Bethania Urbieta.

Los solistas de la obra son: María Fe Arzamendia (soprano), Mónica Pérez (mezzo), Rodrigo Pérez (tenor) y Víctor Kunert (barítono). El acceso es libre y gratuito, con registro online, a través de: www.tuti.com.py, sin embargo, se agotaron el pasado fin de semana.

El ciclo está organizado por la Sociedad Filarmónica de Asunción y la Dirección General de Cultura y Turismo de la Municipalidad de Asunción, patrocinado por la Fundación Itaú y Petrobras.

LA OBRA

La sinfonía N° 9, una de entre las obras más importantes en la historia de la música universal es la única sinfonía escrita por Beethoven durante el último período de su arte y de su vida.

Las dimensiones excepcionales de esta partitura, la adjunción a la orquesta de la voz humana y aún el considerable lapso de doce años que la separa de las dos sinfonías anteriores, hacen de ella un mundo aparte en la música beethoveniana.

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AFP / Helen Rowe

A partir del negativo original de 16 mm, la plataforma Disney+ ha logrado realizar esta nueva versión del documental, lanzada el miércoles, con el sonido remasterizado, utilizando la última tecnología de mezclas.

Filmada en enero de 1969, la película del director Michael Lindsay-Hogg contenía momentos de las tensiones y acritud entre John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr que eventualmente los llevaron a disolverse.

“George no podía grabar muchas canciones porque John y Paul eran prolíficamente brillantes”, dijo a AFP Jonathan Clyde, directivo de la productora Apple Corps, fundada por los propios Beatles para ocuparse de sus intereses.

“John había conocido a Yoko (Ono) y estaba haciendo su propio viaje, Paul estaba haciendo lo que quería y Ringo había comenzado a filmar películas”, añadió Clyde.

CONCIERTO DEL TEJADO

La película muestra a los “Fab Four” en los ensayos y sesiones de grabación del álbum “Let It Be”.

La última parte presenta su concierto no anunciado de 40 minutos en el techo del edificio de su compañía discográfica en la calle Savile Row de Londres.

Clyde explicó que la película cubrió un período en el que intentaron reavivar el mismo espíritu que tenían cuando comenzaron a actuar en el Cavern Club de Liverpool y en la ciudad alemana de Hamburgo.

Pero ese intento se vio empañado por la ruptura de la banda en abril de 1970, un mes antes del estreno de la película, convirtiéndola injustamente en una “especie de posdata extraña al final de su carrera”, añadió Clyde.

“Nunca sintieron un gran amor por ‘Let It Be’ porque creo que lo asociaban a todos esos problemas”, explicó Clyde después de la presentación, el martes en Londres, de la película remasterizada.

Más de medio siglo después, la película podrá verse desde una perspectiva más objetiva, como un registro de incalculable valor del proceso creativo de los Beatles.

“Todos sabemos que fueron genios, crearon una música increíble año tras año, pero en realidad también trabajaron increíblemente duro en ello”, dijo el productor.

“Se puede ver que dan dos pasos adelante, o un paso atrás dentro de ese proceso, con días en los que realmente no pasó nada y luego, de repente, aparecía un estallido de energía que lo hacía avanzar”, añadió.

El director de “El señor de los anillos”, Peter Jackson, utilizó unas 60 horas de filmaciones inéditas de aquel documental para su serie de 2021 sobre la realización de “Let It Be”.

UN DOCUMENTAL SOBRE UN DOCUMENTAL

“The Beatles: Get Back”, de Jackson, un documental sobre un documental, ofreció una visión más positiva de los últimos meses de los Beatles juntos usando tomas descartadas para mostrar a los compañeros de banda bromeando juntos mientras creaban clásicos para su duodécimo y último álbum de estudio.

El momento culminante del documental de Lindsay-Hogg, remasterizado en Disney+, es el concierto en la azotea, su última actuación pública juntos.

El periodista y crítico musical John Harris dijo que era una instantánea del Londres de 1969 con oficinistas y transeúntes vestidos con bombines o minifaldas que se detenían en la calle o trepaban a lo alto de los edificios vecinos para tener una buena visión del espontáneo concierto.

“Evoca al Londres de esa época, con tipos de avanzada edad con sombreros y con toda esa gente que subía a los tejados”, explicó.

“Es una imagen icónica. John con su abrigo de piel, Ringo con su impermeable de plástico rojo, Paul con ese hermoso traje negro y George con sus pantalones verdes y sus botas de béisbol. Es todo perfecto”, concluyó.

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