En la década de 1970, distintos proyectos de acción individual y en conjunto con la comunidad artística buscaron conformar colecciones, poner en valor prácticas artísticas populares, generar espacios de exhibición y consolidar circuitos para la exhibición de arte.

El Museo del Barro fue fundado en 1979 y abrió sus puertas en San Lorenzo, en 1980, con una colección de cerámica popular. Se mudó luego al centro de Asunción, y más tarde a su sede actual, en Isla de Francia, ampliando con el correr de los años su colección, mediante la incorporación de piezas textiles, talla popular e imaginería religiosa.

Ricardo Migliorisi. Pintura sobre carpa. Detalle. Colección Ticio Escobar.

Este proyecto preocupado por el arte popular fue el primero que se institucionalizó y le dio nombre a un programa más amplio: el Centro de Artes Visuales.

El lugar cuenta actualmente con 18 salas de exposiciones temporales y permanentes distribuidas en el Museo del Barro, Museo Paraguayo de Arte Contemporáneo y Museo de Arte Indígena. En él se exhiben colecciones de arte indígena del Paraguay, arte popular proveniente de comunidades de tradición rural y arte urbano de tradición ilustrada occidental.

Juana Marta Rodas. Esculturas cerámicas. Colección CAV/Museo del Barro.

Las distintas producciones artísticas son consideradas por el guion del museo en pie de igualdad; y, pese a que en la exposición permanente poseen un espacio propio, las exposiciones temporales constituyen oportunidades para cruces.

En esta exposición, con curaduría de Ticio Escobar y expografía de Osvaldo Salerno, los y las visitantes podrán ver exhibidos distintos aspectos del programa del museo, los principales temas abordados por la colección institucional junto con documentación histórica y la narración de episodios fundamentales para la historia del museo y de las instituciones culturales en Paraguay.

Traje ceremonial Ishir que representa a la deidad Nemur. Detalle. Colección CAV/Museo del Barro.

El proyecto de exposición, que cuenta con apoyo de la Fundación Itaú, concluirá con la publicación del libro “Este museo no es un museo”, de autoría de Lia Colombino, directora del Museo de Arte Indígena del Centro de Artes Visuales/Museo del Barro, a llevarse a cabo en el mes de marzo de 2023.

En el marco de las celebraciones por los 214 años de la Independencia Nacional, el Museo Casa de la Independencia inauguró su nueva lumínica, como parte de la intervención dentro del proyecto “Iluminación Sostenible. Transformando Edificios Urbanos y Patrimoniales”.

La acción es fundamental en el proceso de puesta en valor de uno de los sitios históricos más representativos del país. El diseño fue elaborado por el arquitecto uruguayo Javier Sande, especialista en iluminación arquitectónica patrimonial, junto a su equipo técnico, bajo criterios de mínima intervención, reversibilidad y compatibilidad. La instalación fue realizada con la colaboración tecnológica de Philips-Signify Uruguay.

La histórica casona, testigo de los acontecimientos del 14 y 15 de mayo de 1811, reabre sus puertas al público con una imagen renovada en el marco de las fiestas patrias. La nueva iluminación, diseñada especialmente para monumentos patrimoniales y alimentada con energía sostenible, busca realzar la arquitectura del edificio sin alterar su autenticidad, ofreciendo una experiencia respetuosa con la memoria histórica.

El Arq. Sande, egresado de la Universidad de la República del Uruguay, ha liderado numerosos proyectos en América Latina que integran diseño lumínico, sostenibilidad y conservación patrimonial. Su participación refuerza la calidad técnica y simbólica de esta intervención, alineada con el compromiso institucional con la protección y difusión del patrimonio cultural paraguayo.

Desde este martes 13 de mayo, la Casa de la Independencia, dependiente de la Secretaría Nacional de Cultura, está abierta al público desde las 07:30 hasta las 00:00, con recorridos guiados y una muestra temporal habilitada especialmente para la ocasión.

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La actividad busca incentivar a perder el miedo al arte y descubrir nuevos talentos.

Las clases son todos los jueves, de 18:00 a 21:00 y tienen una duración de tres meses. El costo es de G. 200.000 mensuales. El público interesado puede contactar al (0971)535 899.

Nelson Martinesi es pintor, grabador, dibujante y diseñador de joyas. Ha realizado numerosas exposiciones a nivel nacional e internacional, recibiendo reconocimientos en bienales y convocatorias.

Sus obras formaron parte de una de las exposiciones más recientes que rindió homenaje a uno de los artistas más destacados en esta técnica, llamado “Huellas de Livio Abramo” que se llevó a cabo en la sede del Instituto Guimarães Rosa.

Livio Abramo (1903-1993), oriundo de São Paulo, se radicó más de 30 años en Paraguay, reconocido por su contribución en el grabado, el dibujo y la acuarela, así como en un legado en la pedagogía y la gestión cultural.

En lo que respecta a el espacio El Oráculo, promueve la formación artística y la colaboración entre artistas de diversas trayectorias. Ha realizado exposiciones como “Incurables” que integró la inteligencia artificial en la curaduría y ha contado con la participación de más de 30 artistas.

Actualmente, además del taller de grabado, el artista, Fernando Amengual dicta un taller que propone buscar diferentes modos de aproximación a la creación dentro de la pintura, el dibujo, la escultura, la cerámica, la fotografía, el arte digital y demás posibilidades del campo visual.

Próximamente tendrá lugar un taller infantil con las artistas y docentes Tania Banks y Mónica Airaldi.

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Conocido por su práctica escultórica, en esta ocasión Yegros presenta piezas bidimensionales con fuerte énfasis en la pintura que evocan sus primeras incursiones en la disciplina, cuando integraba el grupo “Los Novísimos” en los años 60.

“Question Mark”, nombre de la muestra, es una interrogante, un signo suspendido en el aire, que no pide ser respondido si no contemplado. Según sus propias palabras, es una forma de hablar de “las preguntas que uno se hace y nunca se anima a contestar”.

Los materiales con los que trabaja Yegros están cargados de historias. Discos duros olvidados, tapas de libros, monedas de diversos lugares. Lo que para otros es basura, para él es treasures, (tesoros). La materia desechada es resignificada.

En esta exposición, Ángel trabaja con colores básicos. Sus piezas habitan el cruce entre lo tradicional y lo contemporáneo, lo tecnológico y lo manual, lo local y lo universal. Cada obra es una cápsula del tiempo, donde lo viejo y lo nuevo conviven.

La obra de Yegros (Asunción, 1943) está profundamente influenciada por filosofías orientales y la cosmovisión guaraní. Conceptos como el tekoha (lugar del ser) y el pensamiento de Heidegger se entrelazan en su trabajo, que busca explorar la esencia del ser y su relación con el entorno. Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas en países como Japón, España, Alemania, Francia, Argentina, Brasil y México.

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